TEMA 13 LA PORTADA GÓTICA. LA PINTURA: Giotto y los primitivos flamencos |
1. CONTEXTO.
El término gótico fue acuñado por Vasari en el siglo XVI para definir un tipo de arte que los hombres del renacimiento consideraban bárbaro (godo) al no ajustarse a las normas del arte clásico. Al igual que el románico, el gótico fue un estilo internacional, que nació en Francia a mediados del siglo XII y se extendió por Europa durante los siglos XIII y XIV gracias, en parte, a la reforma cisterciense, que se hará eco de las nuevas técnicas constructivas.
Durante los siglos del gótico (finales del XII a primeros años del XVI) se produjo un gran desarrollo de las ciudades y de la burguesía. El símbolo de las ciudades será la catedral, con la que rivalizan para alcanzar grandes alturas que representen el poder y el esplendor de la nueva vida urbana. También la construcción de las universidades a partir del siglo XII, están en relación con este desarrollo de las ciudades. Se trata de centros de estudio que se organizaron sin la intervención de los obispos. Entre las más importantes destacan la de París, Bolonia, Oxford, Salamanca, etc.
La actividad mercantil se desarrolló gracias a las ferias. Además el auge comercial se vio favorecido por la extensión de las rutas comerciales (se abrieron nuevas rutas, en concreto, hacia China y Asia, en general, que se conectaban con Europa) y la aparición de figuras como el mercader profesional, el prestamista o el cambista
La nobleza, en declive, se refugia en el espíritu de caballería. Son siglos de esplendor de las órdenes del temple o de los hospitalarios. Además aparece una nueva espiritualidad, un espíritu de renovación protagonizado por nuevas órdenes mendicantes, como los dominicos o los franciscanos.
Desde el siglo XIV diversos acontecimientos (la Peste Negra, el cisma de Aviñón y la guerra de los Cien Años) iniciaron un período de crisis que se reflejará también en el arte.
El naturalismo es el rasgo más característico de la escultura gótica y el que más la diferencia de la románica. Mientras que la escultura románica era de carácter simbólico, ahora se intenta crear sensación de realidad tanto en las formas como en los sentimientos de los personajes, que se relacionan entre ellos y abandonan el hieratismo.
La escultura gótica sigue supeditada a la arquitectura, aunque con el tiempo aparece separada e independiente del muro, llegando a ser exenta.
En cuanto a la ubicación, las portadas monumentales de las catedrales concentran la mayoría de obras:
- El tímpano, dividido en el Gótico en franjas o frisos horizontales con decoración narrativa, sigue albergando el tema principal, Cristo, la Virgen, el Juicio Final, la Crucifixión u otras escenas evangélicas o de las Sagradas Escrituras.
- Las arquivoltas, son ahora apuntadas; asimismo se distinguen de las del Románico en que la decoración escultórica que las adorna se sitúa longitudinalmente, en lugar de hacerlo de forma radial como en el románico.
- Las jambas, se decoran con esculturas-columna adosadas de profetas, santos o apóstoles, pero ahora sobre repisas y bajo unos doseletes muy característicos decorados con tracería gótica.
- En el parteluz o mainel, se sitúan esculturas de la Virgen, Cristo o el Santo titular, también bajo dosel de tracería gótica.
Además empiezan a esculpirse las sillerías de los coros, retablos y sepulcros, totalmente liberados del marco arquitectónico.
A los temas de tradición románica, como el Pantocrátor o el Juicio Final, se unen otros relacionados con la humanización de la divinidad. Mientras en la anterior época se trataba de infundir temor a través de un Dios terrible e implacable en su justicia, ahora se intenta atraer al fiel mediante un Dios amable que sufre como los seres humanos. Para conseguirlo toman gran protagonismo escenas que narran la vida de la Virgen y los santos, que aparecen como intercesores ante Dios.
En cuanto la escultura exenta, siguen las representaciones de la Virgen con el Niño y los crucificados. Las figuras se comunican entre sí, se sonríen e incluso se tocan, dejando atrás el tema de la Virgen como mero trono de Dios.
Asimismo, cambia la apariencia de los crucificados. Se representa a Jesús sufriendo en su cruz. El cuerpo no aparece rígido, sino que cae en forma pesada. Se acorta el vestido que lo cubre, convirtiéndose en un faldellín. La corona de rey se sustituye por la de espinas.
También aparecen otras iconografías como la representación de la Piedad (la Virgen con Cristo muerto en su regazo).
2.1. La escultura gótica
La escultura también presenta diferencias entre el norte y el sur de Europa. Mientras el modelo francés se extiende prácticamente por toda Europa, en Italia prevalece una fuerte influencia clásica. Ejemplo de ello es el púlpito del baptisterio de Pisa, creación de Nicola Pisano. Se trata de una obra realizada en mármol con relieves de fuerte influencia tardorromana.
En la evolución del estilo distinguimos:
A) Un primer período de transición o Protogótico (finales del siglo XII) en el que se incluyen en FRANCIA el Pórtico Real de Chartres y en ESPAÑA el Pórtico de la Gloria y el Apostolado de la Cámara Santa de la Catedral de Oviedo.
B) Durante el siglo XIII y primera mitad del XIV se mantiene todavía cierta severidad, a la vez que se busca la idealización de las imágenes: tipos alargados, pliegues y ornamentos muy sencillos, rostro triangular, sonrisa estereotipada y cierto amaneramiento.
En FRANCIA, destacan en el siglo XIII las esculturas de la catedral francesa de AMIENS (la “biblia de Amiens”) de una belleza idealizada y elegante, como la imagen del BEAU DIEU, situado en el parteluz de la portada occidental, y la llamada VIRGEN DORADA.
En REIMS, trabajan varios maestros esculpiendo las escenas de la ANUNCIACIÓN y LA VISITACIÓN.
En ESPAÑA los focos más importantes de este siglo están en BURGOS y LEÓN.
En la catedral de BURGOS, se realizan la PUERTA DE LA CORONERÍA y la PUERTA DEL SARMENTAL que se decora con un tema algo arcaico, más común del románico que del nuevo gusto gótico; se trata de la imagen del PANTOCRÁTOR con el TETRAMORFOS.
En LEÓN se recoge la influencia del naturalismo y elegancia de Reims. La Virgen del PARTELUZ recuerda iconográficamente a Amiens; se trata de la VIRGEN BLANCA, perteneciente a la tipología de las llamadas VÍRGENES BELLAS, que se difundieron por Europa.
C) La etapa que se desarrolla durante la segunda mitad del siglo XIV recibe el nombre de Gótico internacional. Se caracteriza por el canon más alargado y esbelto de las figuras, sus ropajes se pliegan en innumerables pliegues de trazados curvilíneos. Esto se observa especialmente en los ropajes, en los que aparecen plegados sinuosos. También existe un interés por resaltar lo anecdótico y por imprimir sentimientos a las obras.
A finales del siglo XIV y principios del XV trabaja en Borgoña, en la corte de Dijon, el escultor CLAUS SLUTER que realizó el Pozo de Moisés y la tumba de Felipe el Atrevido.
En Castilla la influencia francesa es más fuerte, mientras que la influencia italiana llegará a la Corona de Aragón. En este siglo aumentando los encargos de grupos escultóricos y monumentos funerarios.
Castilla: En la catedral de Toledo se realiza la Portada del Perdón cuyo tímpano está dedicado al tema de la imposición de la casulla a San Ildefonso por parte de la Virgen. Otra de las obras de esta catedral es la escultura exenta de la Virgen Blanca en alabastro policromada y de gran naturalismo.
Corona de Aragón: El maestro CASCALLS talló las esculturas del Panteón Real de POBLET del rey PEDRO IV y sus ESPOSAS.
Respecto a los RETABLOS, destaca el de LA VIRGEN BLANCA DE SAN JUAN DE LAS ABADESAS (Girona) realizado en alabastro.
D) En el período final, durante el siglo XV, se experimenta una reacción frente a este arte amanerado y triunfan tipos macizos y pesados, de un mayor realismo. El sentimiento de los personajes deriva hacia el patetismo y las imágenes son más voluminosas. El interés por captar de forma naturalista las expresiones de los rostros da pie a la aparición del retrato.
La influencia franco-borgoñona y la flamenca se dejan notar en los escultores que trabajaron en la península Ibérica durante este siglo:
· Guillem Sagrera realizó las esculturas de San Pablo y San Pedro de la portada del Mirador de la catedral de Palma de Mallorca, obra de gran monumentalidad.
· Pere Johan fue el principal escultor catalán de la primera mitad del siglo XV. Realizó el San Jorge del Palacio de la Generalitat de Barcelona.
· Gil de Siloé destaca por su excelente dominio de la técnica, lo que le permitió tallar tanto madera como alabastro. Sus obras más sobresalientes las encontramos en la Cartuja de Miraflores (Burgos), para la que realizó un retablo con un gran círculo central en el que se representa la Crucifixión, rodeada de escenas de la Pasión de Cristo también circulares.
En la misma Cartuja, y por encargo de Isabel la Católica, encontramos los sepulcros de sus padres Juan II e Isabel de Portugal, y de su hermano el infante Alfonso en alabastro.
· Sebastián de Almonacid realiza el sepulcro del DONCEL DE SIGÜENZA (Guadalajara), además de la Capilla del Condestable en la catedral de Toledo.
· Otros escultores del siglo XV serán Egas Cueman, Juan Guas, Rodrigo Alemán y Simón de Colonia.
3. LA PINTURA GÓTICA. PRIMITIVOS ITALIANOS: GIOTTO Y LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS
3.1. PRIMITIVOS ITALIANOS. GIOTTO. (Siglo XIV)
Al hablar del arte italiano, se denomina DUECENTO al siglo XIII y TRECENTO al siglo XIV. En el siglo XIII la pintura italiana es de influencia bizantina, a lo que se llamará MANIERA GRECA de pintar y cuyos rasgos más destacados son:
- utilización de fondos de oro
- personajes planos y espirituales ordenados según los principios de isocefalia, perspectiva jerárquica y rígidas simetrías.
En SIENA, se mantuvo la maniera greca durante un tiempo, evolucionando hacia un estilo más vigoroso en el siglo XIV. Entre sus representantes: DUCCIO, SIMONE MARTINI y LORENZETTI.
Poco a poco la pintura se fue desprendiendo de estos arquetipos gracias a dos figuras excepcionales que trabajan en FLORENCIA: CIMABUE y, sobre todo, GIOTTO.
CIMABUE evolucionó desde la maniera greca a formas más voluminosas y rostros más expresivos e intensos. Esto se refleja en la serie de crucifijos de Arezzo, Santa Croce y S. Francisco de Asís.
GIOTTO fue alumno del anterior y rompió totalmente con la maniera greca, convirtiéndose en el gran innovador de la pintura del TRECENTO, hasta el punto de ser considerado el precursor de los avances del renacimiento.
Se planteó problemas de perspectiva lineal (aún sin la base científica de la perspectiva geométrica de los pintores italianos del siglo XV) y trabajó los cuadros como espacios tridimensionales donde se desenvuelven los personajes. Esta concepción de la perspectiva y del espacio sienta las bases de la pintura europea de los siglos siguientes.
Giotto concibe las figuras y arquitecturas como masas con VOLUMEN ESCULTÓRICO muy distinto de la concepción plana anterior. Los personajes adquieren una severa dignidad y expresión contenida, como en las obras clásicas.
Casi toda su pintura está realizada al fresco y destacan las series sobre la vida de Cristo en la capilla SCROVEGNI de Padua y las pinturas sobre la vida de San Francisco en la basílica de Asís.
3.2. PRIMITIVOS FLAMENCOS (siglo XV)
El precedente de la pintura flamenca es el llamado GÓTICO INTERNACIONAL que se difunde por Europa desde el último tercio del siglo XIV y el primer cuarto del siglo XV; se trata de un estilo pictórico que aparece en miniaturas, tapices y pinturas sobre tabla. Sus características son:
- alargamiento y elegancia de las figuras,
- colorido brillante y plano, con escaso claroscuro,
- gusto por el detalle en los paisajes,
- riqueza en los vestidos, joyas y peinados,
- línea del horizonte alta y
- un fuerte carácter simbólico.
Destacan las ilustraciones del libro LAS MUY RICAS HORAS DEL DUQUE DE BÉRRY, realizadas por los HERMANOS LIMBOURG.
La pintura del siglo XV en los Países Bajos.
Durante el siglo XV, en los Países Bajos y el Ducado de Borgoña se formó una escuela de pintura apoyada por los duques que protegieron a los artistas, entre los que figuran EL MAESTRO DE FLÉMALLE, ROGER VAN DER WEYDEN y HUGO VAN DER GOES.
El rasgo técnico más significativo es el uso de la PINTURA AL ÓLEO, en la que los pigmentos se diluyen en aceite de linaza. El cuadro tarda más en secar, pero los colores quedan más brillantes y permiten efectos de transparencia y perspectiva aérea, es decir, de lejanía o de volumen sin recurrir a líneas.
- La tradición atribuye a los hermanos VAN EYCK la invención de esta técnica; sin embargo, ya era conocida por los estofadores (pintores de esculturas de madera) pero no se había incorporado a la pintura hasta que los hermanos Van Eyck la generalicen.
- Los objetos comunes y cotidianos suelen tener en la pintura flamenca un carácter simbólico; así, la presencia divina se representa por una vela encendida, la virginidad mediante lirios, etc.
- Los pintores describen joyas, flores, bordados, cabellos…con una “visión microscópica” usando pinceles finísimos, con un dibujo de alta precisión.
- Cuando la escena se desarrolla en un interior, suele haber una ventana por la que entra la luz que ilumina la escena.
- En el exterior, la línea del horizonte se pinta muy alta para intentar representar la tridimensionalidad utilizando la experiencia y no según cálculos matemáticos, como se hará en el renacimiento.
- Otra innovación es la incorporación del donante (persona que encarga la obra) en las escenas religiosas, con el mismo tamaño y dignidad que los personajes sagrados.
Cronológicamente suele distinguirse una PRIMERA GENERACIÓN de pintores que trabajan en la primera mitad del siglo XV entre los que están: VAN DER WEYDEN y VAN EYCK.
- VAN DER WEYDEN: considerado uno de los fundadores de la pintura flamenca, introdujo en sus obras el movimiento y el sentido dramático en sus composiciones religiosas. El Descendimiento de Cristo está concebido como si reprodujese un conjunto escultórico policromado con tracerías y fondo plano.
- VAN EYCK: autor, entre otras obras, del políptico del Cordero Místico de San Bavón de Gante, un conjunto de tablas para colocar sobre el altar que narra la adoración del cordero místico según el Apocalipsis de San Juan. Otra obra de este artista es el Matrimonio Arnolfini realizado en una estancia burguesa y llena de detalles simbólicos. El detallismo del espejo, la lámpara y el perro nos remite a su pasado como ilustrador de miniaturas.
La SEGUNDA GENERACIÓN de pintores flamencos trabaja en la segunda mitad del siglo XV. El pintor más destacado es EL BOSCO que refleja en sus pinturas la inquietud espiritual de su tiempo con la influencia de los escritos de Erasmo, que anunciaban la Reforma Luterana.
EL BOSCO representa seres fantásticos con un fin moralizante en el que las escenas simbolizan vicios o virtudes del ser humano. Su estilo es personal e inclasificable y le convierte en uno de los pintores más atractivos del panorama europeo.
Su detallismo le acerca a los pintores de la primera generación aunque su temática soñadora y moralizante reflejada en escenas oníricas y fabulosas le convierte en antecedente de la pintura surrealista contemporánea.
Su obra más popular es el tríptico del JARDÍN DE LAS DELICIAS. Su contenido ha dado lugar a interpretaciones variadas por los símbolos y mensajes en clave que aparecen en el cuadro. La tabla de la izquierda representa la creación del hombre, la central el placer y el pecado y la tabla derecha es el castigo en el infierno.
Otras obras de este autor son el CARRO DE HENO y LAS TENTACIONES DE SAN ANTONIO.
A esta segunda generación de pintores pertenecen también:
- PATINIR con el PASO DE LA LAGUNA ESTIGIA, en la que la naturaleza se convierte en protagonista relegando a los personajes a un papel secundario.
- MEMLING, autor de estilo brillante que domina la representación espacial. Entre sus obras está LOS DESPOSORIOS DE SANTA CATALINA.
